domingo, 26 de marzo de 2017

Partes de un sintetizador

Hola, soy Eduardo Arana de Lima, Perú. Esta lección pertenece a la última semana del curso "Introducción a la Producción Musical" de Coursera.org. En esta ocasión hablaré acerca de las partes que conforman un sintetizador. Cada una de estas partes o módulos, son esenciales para el proceso de síntesis y de creación de sonidos, por lo cual están presentes en todo sintetizador digital, plug in, con el cual nos podamos cruzar en nuestro camino como músicos y productores.

El primer módulo es el oscilador, conocido por sus siglas en inglés como VCO (Voltage Controlled Oscillator- oscilador controlado por voltaje), el cual se encarga de generar el sonido que pasará por los módulos siguientes. En este módulo, podemos configurar el tipo de onda que deseamos utilizar: cuadrada, triangular, sinusoidal, sierra o ruido. Estos tipos de onda, como podemos intuir por su nombre, tienen formas geométricas, y cada una, tendrá ciertas características y propiedades, que diferenciarán el sonido que cada una de estas produce. Algo importante acerca del oscilador de un sintetizador, es que puede ser modulado, y puede cambiar a través del tiempo, lo cual nos permitirá modificarlo y lograr el sonido que buscamos.

El segundo módulo es el filtro, conocido por sus siglas en inglés como VCF (Voltage Controlled Filter- Filtro controlado por voltaje), el cual se encarga de filtrar ciertas frecuencias del sonido generado por el oscilador, dándole otro matiz al sonido. En este módulo se pueden elegir distintos tipos de filtro, los cuales filtran zonas específicas del sonido. Existen los filtros high pass (de paso alto, los cuales disminuyen las frecuencias bajas y dejan pasar las altas), low pass (de paso bajo), band pass, notch y comb. Dentro de este módulo, hay dos aspectos muy importantes que pueden ser manipulados, los cuales son la resonancia del sonido, y la frecuencia a la cual se cortará este sonido.

El tercer módulo de nuestro sintetizador es el amplificador, VCA (Voltage Controlled Amplifier- Amplificador controlado por voltaje), el cual se encarga del volumen de nuestro sonido. Este módulo siempre está en constante cambio, y se encuentra ligado a un modulador, en este caso un envelope (envolvente), el cual definirá la manera en que se reproduce el sonido que creamos. El envelope cuenta con cuatro elementos que serán clave para darle forma a la manera en que escuchamos y percibimos el sonido: attack (ataque, velocidad con la que comienza a sonar el sonido), Decay (caída, punto inicial al cual baja de volumen el sonido), sustain (tiempo en el cual se mantiene el sonido) y reléase (liberación, velocidad con la que se libera el sonido justo después de que se deje de tocar la nota).

La última parte esencial para crear nuestro sonido es el LFO (Low Frecuency Ocillator- Oscilador de baja frecuencia), el cual, al producir una frecuencia menor a lo que escucha el ser humano, es directamente inaudible para nosotros, lo que escucharemos es el efecto que este causa al estar enlazado a nuestro sonido, por lo cual lo utilizaremos para causar un efecto específico, el cual en este caso será el vibrato, el cual se logrará con la onda de este oscilador, la cual puede tener la forma que deseemos (cuadrada, triangular, sinusoidal, etc.).


Gracias a todos estos elementos que forman parte de un sintetizador, lograremos crear sonidos que nos ayuden a experimentar, explorar e innovar musicalmente, con una posibilidad de sonidos infinita, la cual nos permitirá plasmar los sonidos más locos que nuestra mente pueda imaginar. Esta presentación me ha ayudado mucho a darme cuenta de que un sintetizador puede ser una herramienta muy útil y expresiva. Gracias por revisar este trabajo, y siendo este el último de este curso, me despido, ¡gracias nuevamente y hasta la próxima!

miércoles, 22 de marzo de 2017

Reverberación algorítmica y convolutiva

Hola, soy Eduardo Arana de Lima, Perú. Esta lección pertenece a la quinta semana del curso "Introducción a la Producción Musical" de Coursera.org. En esta ocasión hablaré acerca de la reverberación, y en específico, acerca de dos tipos de reverberación con los cuales nos vamos a cruzar al momento de utilizar este efecto en nuestra mezcla.

Al momento de mezclar nuestra canción, llegaremos a un punto en el cual necesitaremos darle a la pista un sentido y sensación de espacio, para lo cual, naturalmente, utilizaremos un plug-in de reverberación, y probablemente incluso el DAW que utilicemos ya tenga ciertos plug-in de reverb, pero para poder conseguir el sonido que buscamos, adecuado para el tipo de canción, instrumentos, y sensación que tratemos de transmitir, es importante saber elegir qué tipo se adapta más a nuestra necesidad, y para esto hay que conocer las características y cualidades de los plug-in de reverberación algorítmica y convolutiva.

La principal diferencia entre estos dos grupos de reverb, es la fuente del efecto, ya que el reverb algorítmico es digital y está basado en un algoritmo que crea el efecto (similar a un sintetizador), y el reverb convolutivo tiene su origen en el sonido de un espacio real (similar a un sampler).

El reverb algorítmico puede ser, a diferencia del convolutivo, un poco más dinámico y moldeable, que ya que podemos darle forma a nuestra reverberación y manipular los aspectos que queramos de ésta. En cambio, el convolutivo, al ser la grabación del sonido de un espacio, no puede ser tan modificado, y más bien se puede escoger entre distintos tipos de espacios reales.

El beneficio principal del reverb convolutivo es que el sonido que nos otorga suena más real, dado que fue captado de un espacio real, a diferencia de algorítmico, que modulado de ciertas maneras podría sonar bastante artificial. Con respecto a esto último, sin importar que tipo de reverb se utilice, es muy importante que no se exagere su uso, ya que esto podría causar que la pista suene muy artificial y forzada, aunque en algunas situaciones esto podría tener resultados musicales y experimentales, por lo cual hay que ser moderado en su uso y tener en mente el sonido que se quiere conseguir.

Elaborar este trabajo ha sido de gran ayuda para mí ya que pude explorar aspectos del reverb con los que antes no estaba familiarizado y pude conocer los dos tipos que existen, diferenciarlos, y ver cuál de ellos conviene más para cierto tipo de canciones, lo cual me permitirá explorar y experimentar más fácilmente.


¡Gracias por revisar este trabajo y hasta la próxima!

miércoles, 15 de febrero de 2017

El uso de la distorsión: Cuando la distorsión se utiliza musicalmente

Hola, soy Eduardo Arana de Lima, Perú. Esta lección pertenece a la cuarta semana del curso "Introducción a la Producción Musical" de Coursera.org. En esta ocasión hablaré acerca de la distorsión. Me enfocaré en el uso que se le puede dar y en las situaciones en que ésta puede ser un problema para nosotros.

Primero necesitamos comprender a que nos referimos cuando hablamos de distorsión y como es que llegamos a ella. La distorsión es definida como la deformación de un sonido o una señal, la cual es producida durante la transmisión o reproducción de ésta. Cuando la señal con la que interactuamos durante el proceso de producción, llega a niveles bastante altos y fuertes, la señal se distorsiona, por lo cual las variaciones de volumen se convierten gradualmente en variaciones de timbre.

Esta distorsión, en ciertas ocaciones, puede ser utilizada de manera musical, y el ejemplo más común de esto, y con el cual la mayoría estará relacionado, es el uso de la distorsión por los guitarristas para lograr sonidos ricos en ciertas frecuencias, y para que su sonido sobresalga en la mezcla. Este tipo de uso de la distorsión es legendario y esta presente en numerosas grabaciones de rock, metal, y otros géneros musicales que explotan este elemento a su favor de una manera muy efectiva.

El uso de la distorsión en este caso se da a través de la perilla de "drive" en un amplificador o pedal de efectos, la cual permite controlar la cantidad de distorsión en la señal de la guitarra eléctrica. En ciertos amplificadores, la perilla que nos permite controlar ésto es la de "gain", ya que la ganancia controla el punto en que las variaciones de volumen se convierten en variaciones de timbre, lo cual nos da el sonido y la textura características de una guitarra distorsionada.

Cuando la distorsión esta presente, pero no de una manera musical, esto puede presentarse como un problema para nosotros, ya que ésta resultará molesta para el oyente y no permitirá el disfrute pleno de la canción. Dando un ejemplo, si un micrófono se encuentra muy cerca a la boca del cantante, esto podría causar distorsión y hacer que no se le entienda bien, se le escuche mal, y por lo tanto no obtengamos una grabación limpia. para evitar esto siempre debemos revisar muy bien nuestro flujo de señal, y en especial revisar los puntos en los que se podría provocar distorsión y evitar que hayan picos durante la grabación, nunca llegando al rojo.

Escribir acerca de este tema me ayudado mucho a recoger y completar parte de mis conocimientos previos, y me ha ayudado a comprender mejor como es que funciona el flujo de señal, como puede ser manipulado, y en que situaciones esta manipulación pude ser positiva o negativa.

Gracias por revisar este trabajo y hasta la próxima!

jueves, 12 de enero de 2017

Categorías de efectos

Hola, soy Eduardo Arana de Lima, Perú. Esta lección pertenece a la tercera semana del curso "Introducción a la Producción Musical" de Coursera.org. En esta ocasión hablaré acerca de los efectos que se pueden utilizar durante el proceso de mezcla post-producción, y en específico acerca de las categorías que abarcan los distintos tipos de efectos presentes en nuestra estación de trabajo de audio digital, los cuales se pueden utilizar para alterar las señales digitales.

Las tres categorías existentes se relacionan con tres principios del sonido: la categoría de los efectos dinámicos se relaciona con la amplitud; la de los efectos de latencia con el principio de la propagación del sonido; y la de los efectos de filtro con el timbre del sonido.

Los efectos dinámicos al controlar la amplitud de la señal controlan el volumen, y es por esto que dentro de esta categoría se encuentran los compresores, limitadores, expansores y los noise gates. Los efectos de latencia, al controlar la propagación del sonido, gracias a las pequeñas latencias que crean, ayudan a representar el espacio en que se encuentran los instrumentos al ser grabados, dando la sensación de que se grabó en espacios más grandes y amplios. Dentro de esta categoría se encuentran los reverbs, delays, phasers, flangers y choruses. Finalmente, dentro de los efectos de filtro, ya que estos controlan el timbre del sonido, se encuentran todo tipo de equalizadores, además de hi cuts y low cuts, los cuales controlan las partes altas o bajas de la señal y las cortan.

 Para utilizar cualquiera de estos efectos, utilizamos los plugins, los cuales nos permiten agregar ya sea reverb, o algun otro efecto de cualquiera de las tres categorías anteriormente mencionadas, en alguno de los tracks que se vean involucrados en nuestro proceso de mezcla. Estos plugins pueden ser utilizados en más de un track a la vez, para asi poder controlar mejor el efecto y conseguir un mejor rendimiento del equipo.

Esta lección me ayudó mucho a comprender como se ordenan los distintos tipos de efectos que existen, como funcionan, que alteran, y que uso les podría dar en el proceso de mezcla de un proyecto. Espero haber abarcado todo el tema correctamente, gracias por revisar este trabajo y hasta la proxima!



miércoles, 4 de enero de 2017

Conversión de analógico a digital

Hola, soy Eduardo Arana de Lima, Perú. Esta lección pertenece a la segunda semana del curso "Introducción a la Producción Musical" de Coursera.org. En esta ocasión hablaré acerca del proceso de conversión de analógico a digital.

Para empezar debemos tener en cuenta que, el sonido, al ser una variación de presión en el aire, es un tipo de información que una computadora no puede comprender, dado que las computadoras solo entienden información binaria, unos y ceros, y la información sonora comprende un rango mucho más amplio. Para que entiendan la información que le damos, esta debe ser convertida, algo así como traducirla a su idioma.

En esta “traducción”, el sonido constantemente variable se convierte en secuencias de unos y ceros, a través de un proceso llamado “muestreo”. Esta secuencia de unos y ceros, el sistema de información binario, se basa en el bit. Un solo bit puede ser un uno o un cero, es decir podemos representar solo dos cosas. Si queremos representar más cosas, tendremos que juntar bits en palabras, por ejemplo, si tenemos una palabra de 7 bits, utilizadas en la información MIDI, podremos representar 128 cosas, 7 al cuadrado. Siempre tendremos que elevar el número de bits al cuadrado para saber cuántas cosas se pueden representar.

Para ciertos tipos de información digital existen ciertos estándares con respecto a la longitud de la palabra en bits, por ejemplo la de un CD es de 16 bits. Dentro de estos 16 bits se encuentra todo lo que podemos escuchar en un CD, pero cuando estamos grabando, la cantidad de bits suele ser mayor, comúnmente 24 bits, ya que a mayor longitud de palabra, mayor rango dinámico, y al grabar, eso es lo que uno busca.

Cuando se convierte de analógico a digital, se hacen muchas mediciones por segundo, y cada una de esas mediciones tiene una longitud de palabra específica, por lo cual, el qué tan a menudo se hacen estas mediciones, se conoce como tasa de muestreo. Se debe medir más de 40 000 veces por segundo para representar con exactitud el sonido y sus señales variables. Y es por esto que, a mayor tasa de muestro, mayor la frecuencia que puede ser representada con exactitud. La frecuencia que se puede representar con exactitud es en verdad la mitad de la tasa de muestreo, es decir, si tenemos una tasa de 44 100 hercios, la tasa de muestreo de un CD, estaríamos representando con exactitud frecuencias menores de 22 050 hercios, y siendo 20 000 hercios lo máximo que puede escuchar un ser humano, esta tasa resultaría satisfactoria. La tasa de muestreo recomendada para la grabación es de 48 000 hercios.

Es importante, al momento de grabar, escoger la tasa de muestreo que se utilizará, dado que, si en algún momento del proceso de producción, se alterara la tasa de muestreo, la grabación se escucharía como acelerada o desacelerada, y la frecuencia variaría, por lo cual se podría escuchar desafinado.

Este trabajo me ha ayudado mucho a conocer más acerca de la conversión de analógico a digital, la cual siempre me intrigó y nunca tuve muy clara hasta ahora. También me ayudo a conocer los estándares que deben existir al momento de grabar, los cuales no dudaré en utilizar de ahora en adelante.


Gracias por revisar mi trabajo y hasta la próxima!

martes, 27 de diciembre de 2016

Conexiones Pickup: ¿Cómo grabar una guitarra o bajo con pickups?

Hola, soy Eduardo Arana de Lima, Perú. Esta lección pertenece a la primera semana del curso "Introducción a la Producción Musical" de Coursera.org. En esta ocasión hablaré acerca de las conexiones involucradas en la grabación de instrumentos con pickups, como son el bajo eléctrico o la guitarra eléctrica.

Para comenzar es necesario saber que es un pickup, el cual, en sencillas palabras, es un micrófono diseñado especialmente para instrumentos de cuerda pulsada, y al igual que un micrófono tradicional, es un transductor de entrada que convierte las variaciones de presión en la atmosfera, es decir el sonido, en variaciones de voltaje, las cuales pueden ser interpretadas por equipos electrónicos, como preamplificadores, amplificadores o interfaces.

De esta manera, cuando queremos grabar una guitarra o bajo eléctrico, hay que tener en cuenta de qué manera se tienen que elaborar las conexiones para poder conseguir el mejor sonido posible, ya que los pickups, al no ser exactamente iguales a micrófonos convencionales, tienen señales ligeramente distintas y requieren de ciertas herramientas específicas.

Para poder grabar nuestro instrumento, necesitamos que la señal llegue a nuestra interface y de ahí a nuestra computadora, y para esto la señal debe pasar por cierto tipo de cables y equipos. Hay diversas maneras en que se puede hacer esto.

Los instrumentos como la guitarra o bajo eléctrico, utilizan una entrada Jack de ¼ de pulgada, por lo cual el cable que siempre utilizaremos para conectar a nuestra guitarra será el de ¼ de pulgada. La primera manera de grabar nuestro instrumento es a través del uso de un amplificador. Como sabemos el amplificador cumple una parte esencial en el sonido de la guitarra o bajo eléctrico, así que el hecho de utilizar uno es algo muy natural y casi instintivo, el amplificador proveerá cierto carácter al sonido. La manera en que procederemos será conectar nuestro instrumento al amplificador, y en paralelo conectar un micrófono convencional a nuestra interface. El único lado negativo de esto es que el micrófono podría captar ciertos sonidos del ambiente que no quisiéramos que estén presentes en la grabación, y esto lo que nos lleva a la segunda opción que tenemos.

Para no perder lo que aporta el amplificador, y no tener los ruidos que podría captar el micrófono en la sala, podemos conectar nuestra guitarra a la interface a través del amplificador. Ciertos amplificadores cuentan con una salida llamada line out, esta es utilizada para enviar la señal del instrumento, junto con el efecto y carácter del preamplificador que todo amplificador tiene, y así conseguir un sonido casi igual. El problema de esto es que, a diferencia de utilizar el amplificador y el micrófono, no podremos escuchar lo que tocamos a través del parlante del amplificador, por lo cual no podremos monitorear en tiempo real lo que tocamos.

La tercera manera que existe sería conectar el instrumento directamente a la interface con el uso de la entrada especializada en instrumentos que ciertas interfaces tienen, la cual está especialmente diseñada para recibir el tipo de señal característico. El problema con esto es que, al igual que la anterior versión, el monitoreo no podrá ser perfecto, ya que lo que escuchemos a través de la interface con nuestros audífonos, tendrá cierto retraso.

La cuarta manera que tenemos disponible es utilizar una caja directa. Esta caja nos permite controlar la impedancia de la señal, y puede ser de gran ayuda para conseguir que la señal que llegue a la interface sea la más adecuada. Para utilizarla necesitamos conectar nuestro instrumento a la caja directa a través de un Jack de ¼ de pulgada, y conectar la salida de la caja directa a nuestra interface a través de un cable XLR.

Personalmente, en los momentos en que he grabado mi guitarra eléctrica, yo he solido optar por la primera opción, la cual, para mí, es la más natural y me permite lograr el sonido que en verdad quiero escuchar. Creo que hay una manera de grabar un instrumento con pickups para cada gusto, además, al haber tantas maneras de hacer esto, si no cuentas con cierto equipo necesario para desarrollar una de estas maneras, siempre puedes probar con otra, y así poder grabar lo que quieras sin obstáculos.

Este trabajo me ha permitido conocer más acerca de cómo grabar un instrumento con pickups, y ha despertado mi curiosidad para probar las diferentes maneras que existen. Yo ya estaba relacionado con algunas de estas maneras, pero el poder verlas más a fondo en verdad ayuda a ampliar las posibilidades que uno tiene.


Agradezco a los que puedan revisar este trabajo y ¡hasta la próxima! 

jueves, 10 de marzo de 2016

Historia de una guitarra: Eleonor

Mi primera guitarra, una Squier affinty fat strat en Montego black metallic. Así de elegante como su nombre completo suena, es el nombre que le puse de cariño, Eleonor, obviamente por Eleonor Rigby de los Beatles, no se puede esperar menos de un beatlemaniaco.

Fue un regalo de mis papás, un adelanto de la navidad del 2010. Ese mismo día había sido mi último día de 5to de primaria, y en la noche fuimos a Music Market, donde me asombro la cantidad de guitarras, las diferentes formas, colores. Yo en ese momento sabia muy poco acerca de guitarras, aunque había investigado un poco junto a mi papá, a la justas sabia que tipo de guitarra utilizaban los músicos que admiraba, asi que para escojer una guitarra necesite la ayuda de un vendedor de la tienda (un pelucon que seguro los que han ido conocen, cuyo nombre horita no recuerdo y prometo actualizar cuando lo haga) que me señalo la guitarra que hasta ahora poseo y con la cual tengo una conexión única, la cual me lleve a casa junto a un ampli y demás accesorios, que apenas llegue quise probar al instante.

Por supuesto que no sabia tocar nada. Con la guitarra de mi mamá había tratado de hacer algún punteo, pero en verdad nada aun sabía. Fue con Eleonor que aprendí a tocar, que descubrí nueva música, que comencé a tocar blues, que tuve mis primeras presentaciones, ya sea en mi propia casa o en el cole. A esa guitarra la lleve a todos lados y sigue siendo una de mis favoritas.

Historia de una Guitarra: si tu instrumento pudiera hablar

Hace un largo tiempo que no escribo en GuitarraManía, y es por esto que he decidido volver a hacerlo, trayéndoles nuevas historias, historias de un instrumento de cuerda que ha influenciado en la vida de muchos de nosotros, ya sea porque lo escuchamos en un disco o porque permitió que nos expresáramos de una manera en que nunca lo habíamos hecho, y que día a día influye en más gente de la misma forma.

En esta sección "historia de una guitarra", descubriremos lo que un instrumento realmente significa, que no es solo una herramienta, sino que expresa mucho más, cuenta una historia, y es la que en cada entrada les contare.

Los dejo con un vídeo de Reverb.com, ¿Si tu intrumento pudiera hablar?¿Que historia contaría?
Se que les gustará:




miércoles, 24 de septiembre de 2014

Las Guitarras Vintage: Parte 3

¿Qué otro equipo Vintage relacionado a la guitarra se puede conseguir?

Se puede conseguir desde Amplificadores hasta Pedales de efectos. Estos son un poco más difíciles de conseguir y en la mayoría de casos, no están en las mejores condiciones posibles, pero hay muchas tiendas que los venden al rededor del mundo.

Amplificadores

Existen muchos amplificadores que se podrían considerar vintage, por lo cual solo mencionare las marcas que para mi son las más importantes. Éstas marcas son:


  • Fender: tiene muchos amplificadores vintage a Tubos, que se dividen en grupos referentes a el estilo estético y al circuito que utilizaban. Los Primeros amplificadores Fender son los Champion 600, y posteriormente los llamados Fender Tweed que duraron entre 1949 y 1962. Alrededor de 1963, Fender produjo los Fender Brownface, que tienen una apariencia muy diferente al tweed. En 1965 Fender saco a la venta los  Fender Blackface, parecido al Brownface pero en Negro,  En 1968 diseñaron los Fender Silverface, parecido al Blackface pero en Plata.
  • Marshall: Se caracteriza por sus grandes amplificadores a Tubos los cuales se podían distorsionar con una mayor eficacia que la de otros. Sus modelos característicos son los Plexi, SuperBass y SuperLead, y el pequeño combo BluesBreaker.
Marshall SuperLead Plexi
  • Vox: Su producto estralla fue el Vox AC30, el cual ayudo a formar un clásico sonido Británico a muchas bandas del momento.
  • Valco: Esta empresa produjo amplificadores de diversas marcas como Supro, Airline, Oahu y National. Además, ellos hicieron amplificadores para otras marcas conocidas como Gretsch, Harmony y Kay.
Fender Champ Tweed
Pedales y Efectos

En los 60's y 70's recien se comenzaba a experimentar con los circuitos y lo que provocaban, Los primeros Efectos y pedales fueron el Fuzz (producido por Gibson, EHX, Vox), el Wah (producido por Vox), el pre amplificador Echoplex, el pedal de delay Memory Man (EHX), el UniVIbe, entre otros.

Vox Wah-Wah

Las Guitarras Vintage: Parte 2

¿Como Conseguir una guitarra Vintage?

Pues la mejor manera es encontrarla en el almacén de algún conocido, recibirla de alguien que no le encuentre valor o incluso encontrarla como la basura de alguien. Sea como sea, ésa es la mejor manera de encontrar una guitarra vintage, ya que no te costaría tanto, o en algunos casos no te costaría nada. Comprarla del dueño original es sin duda la mejor opción, porque tienes asegurada su autenticidad y porque su valor aumenta, aunque, estos llamados "under the bed founds" o "descubiertos debajo de la cama", lo cual suena un poco mal :), son unas de las opciones más caras que te podrían pasar en caso el dueño de la guitarra este al tanto de los precios actuales de estos tipos de guitarras, pero en caso de que estos "descubrimientos" los hagan los familiares del dueño original, es muy probable que no sepan en realidad el valor de lo que tienen, y lo vendan por menos de su precio real.

Guitar Center Vintage Room

La opción más tradicional, y la más lamentable en el sentido de la integridad económica del comprador, es la de comprar una guitarra Vintage en una tienda, más aun si es una tienda especializada en Guitarras Vintage o instrumentos raros, ya que sus vendedores están muy bien actualizados en el tema de los precios. La parte favorable de esta opción es que puedes estar seguro de que lo que te están vendiendo es autentico, saber el año exacto de la guitarra, tener una gran variedad de la cual escoger y saber la condición exacta en la que se encuentra la guitarra. aquí en el Perú no existe una tienda especializada en guitarras vintage y ninguna de las grandes tiendas ofrecen este tipo de guitarras, pero es posible conseguirlas de vendedores particulares o en algunas tiendas pequeñas que venden guitarras usadas. En linea puedes encontrar una gran variedad de tiendas y sitios web especializados en la venta de guitarras usadas y vintage, entre los cuales se encuentran Reverb, Guitar Center, Pro Guitar Shop, Chicago Music Exchange, Music Zoo y Andertons, sitios web de tiendas en Estados Unidos e Inglaterra que envian a todas partes del mundo.

¿Que tipo de guitarra comprar?

Para las personas "comunes" como nosotros, que no podemos costearnos 16 000 dolares en una Fender Stratocaster del 62, hay ciertos tipos de guitarras vintage que, aun manteniendo la alta calidad, llegan a costar cifras no tan altas entre 500 a 1600 dolares, estas guitarras son:

  • Las Guitarras Japonesas de los 60's: Estas guitarras de marcas poco conocidas tienen una calidad no tan alta pero buena, otorgan un sonido muy clásico, y cuestan menos de 600 dolares, lo cual es un muy buen precio para una guitarra de los 60's,


    Gibson Malody Maker
  • Las Guitarras Gibson y Fender para principiantes de las décadas de los 50, 60 y 70: Estas guitarras fueron hechas por marcas reconocidas, con la idea de crear guitarras para principiantes, las cuales son ahora de las más buscadas y también de las más económicas. En el caso de Fender, sus modelos Musicmaster, Duo Sonic y Mustang, tienen precios entre 900 y 1800 dolares, siendo la de 1800, un ejemplar en perfectas condiciones, y la de 900  una de los 70's o una modificada, las cuales cuestan menos. En el caso de Gibson, sus modelos Melody Maker y ES 125, suelen costar entre 1200 y 2400 dolares, dependiendo del modelo exacto.
  • Guitarras acústicas Martin de los 70's: éstas guitarras tienen una alta calidad y un bajo precio ya que son de ésta década.
  • Guitarras de otras marcas no tan famosas: Estos se refieren a los modelos de las marcas Silvertone, Danelectro, Harmony, Teisco, Airline y  Univox, los cuales suelen costra entre 500 y 1000 dolares aproximadamente.
    Fender Musicmaster
  • Copias de modelos de otras marcas: Estas guitarras, aun siendo vintage, no tienen muy buena fama ya que son copias de otros modelos de la época, pero hay algunos casos de marcas como Greco, que son famosas por sus copias, y éstas han sido usadas por artistas famosos. Otro caso es el de Orville, el cual hacía copias autorizadas por Gibson en Japón, los modelos de esta marca son muy buscados y llegan a costar entre 1000 a 2000 dolares.
Airline 2p

sábado, 24 de mayo de 2014

Pequeña Historia Creada por Mí

“The Peru’s Top Secret Band” 

Así es como nos nombraron todos los periódicos de Inglaterra. Todo comenzó un 1 de Octubre, de 1966 para ser exactos, día en que mi amigo Jorge vino de visita a mi departamento en Lince, departamento que comenzaba a alquilar con el dinero que había conseguido trabajando de mozo en un restaurante cerca. Este día sería esencial para mí, Jorge y los demás muchachos. A todos nosotros nos encantaba el rock, desde los Beatles hasta Los Saicos, una pequeña banda peruana que practicaba en un departamento a menos de una cuadra del mío. Ellos recién habían comenzado a tocar juntos y todavía no eran muy famosos pero yo confiaba en que lo serían algún día, tenían muy buen potencial. Cerca de mi departamento también vivían los hermanos Ventura, que tenían la loca idea de tocar con Los Rolling Stones. Su banda se llamaba Los Mads.

Fue este día de octubre que Jorge llego a mi casa trayendo lo que me pareció la cosa más bella que había visto en el mundo. Era una guitarra que la había traído su tío de Estados Unidos, pero no era cualquier guitarra, era una Fender Telecaster del 63’, una de las mejores guitarras que existían en la época. Cuando vi esa guitarra por primera vez no se imaginan lo entusiasmado que estaba por tocarla. Yo, Jorge y otros amigos habíamos formado una banda hace poco. Todavía no éramos tan famosos como los Saicos o incluso los Mads, ni siquiera teníamos nombre, pero aun así nos presentábamos de vez en cuando en las matinales de los cines. En los 60’s las matinales de los domingos eran el momento en que todas las bandas de lima se presentaban en la mayoría de cines del centro. Tocabas en un cine e ibas al otro. Después de haber tocado en 8 cines, antes de que comenzara cada función, tocábamos en algún evento, kermes, cumpleaños, etc.

Luego de probar la guitarra Jorge me dio la noticia más impresionante que alguna vez alguien me había dado: “Miguel, nos vamos a Inglaterra”. No me lo podía creer, no tenía sentido lo que decía. Resultaba que un productor ingles que estaba de paso por el Perú nos había escuchado esa misma mañana en una de nuestras presentaciones y le habíamos gustado tanto que estaba dispuesto a llevarnos a Inglaterra para que su disquera nos firmara. Inmediatamente fuimos con los demás muchachos a contarles la gran noticia, al día siguiente nos encontraríamos con el Productor, quien vendría a escucharnos. Luego de haber llamado a todos nos encontramos en el estudio donde grabábamos de vez en cuando para preparar que tocaríamos en la audición. La banda consistía en los siguientes integrantes: Jorge, mi mejor amigo, fan de los Stones y guitarrista espectacular; John, amigo del colegio, baterista extraordinario; Robert, amigo de Jorge que había vivido en estados unidos casi toda su vida, de padres estadounidenses pero nacido en el Perú, ya que pronunciaba muy fluidamente inglés, él era el cantante; Marcelo, bajista del grupo; y yo, que  también era guitarrista, aunque no tenía una Telecaster, me defendía con mi modesta guitarra Danelectro que mi papá me había regalado. De todo el grupo yo y Jorge éramos los que más sabíamos de música, sinceramente a mí más que los Beatles o los Rolling Stones me gustaban las bandas nuevas y con sonidos más agresivos.

Dentro del estudio practicamos algunas canciones y  cada uno se fue a su casa. Al día siguiente el productor llego al estudio y todos lo conocimos. Su nombre era Tony Edwards, un hombre sencillo de unos 20 años, con una apariencia hippie, un movimiento que recién comenzaba a aparecer en Estados Unidos e Inglaterra, por lo cual a todos les pareció muy extraño, excepto a mí que me pareció genial.  Ya que solo hablaba inglés, Robert nos sirvió de traductor, aunque la mayoría entendíamos lo que decía. Nos habló de la cantidad de talento que había encontrado en nosotros y que quería llevarnos a Inglaterra para que la disquera nos escuchara y poder firmarnos de inmediato, lo que significaría poder sacar un álbum. Fue unánime, todos accedimos al instante. Pero había un problema, la banda no tenía nombre. Richard dijo que él se encargaría de eso. Al día siguiente salimos muy temprano por la mañana rumbo a Londres, como unos completos desconocidos rumbo, a lo que pensamos, sería el éxito, sin tener muy claro si esto funcionaría o no, y con solo nuestro talento como aleado.

Después de 14 horas de vuelo, llegamos a Londres. Fue impresionante todo lo que vimos. La gente, las casa, los autos, las calles, las tiendas; era algo muy diferente a lo que me hubiera imaginado. Lo primero que vi cuando salimos del aeropuerto fueron las tiendas de música. Nunca había visto tantas guitarras juntas, era el paraíso. Rumbo al hotel donde nos hospedaríamos vimos cientos de clubes con anuncios como “Esta noche The Doors”. Casi todas las bandas de las cuales éramos ídolos se presentaban en aquellos clubes, a excepción de las grandes bandas que se presentaban en anfiteatros o incluso estadios. Pero claro, la idea de tocar en un estadio era ambición, para nosotros el poder tocar en un pequeño club y conocer a nuestros ídolos bastaría. En todos los clubes se podían leer nombres nuevos. Según Tony, este era el momento para las nuevas bandas. Muchas bandas con nuevos sonidos salían a escena, era nuestra oportunidad.

Luego de llegar al hotel descansamos y nos preparamos para al día siguiente reunirnos con la disquera, pero como queríamos conocer el lugar, los cinco salimos del hotel y visitamos los clubes de la zona. Fue aquí donde ocurrió la segunda cosa más impresionante de esta historia, ya que conocí, sin saberlo, a quien sería reconocido como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.

Llegamos a parar en un local donde se presentaba un tal Jimi Hendrix, un guitarrista que había sido traído de USA a Londres por el bajista de la banda The Animals con las mismas intenciones que nos trajeron a nosotros, firmar contrato con una disquera y entrar al ambiente de los músicos del género, la única diferencia era que aunque nosotros no éramos nada malos, él tocaba mucho, mucho, pero mucho mejor la guitarra que yo o Jorge. Los cinco nos quedamos atónitos con su presentación.  Luego de que terminara de tocar, me le acerque y charlamos por un rato. Después de 2 horas de conversar Jimi ya era nuestro amigo y accedió a tocar con nosotros cuando quisiéramos. Luego pasear por muchos más clubes, regresamos al hotel.

 Al día siguiente, Tony nos dijo que paseáramos por la ciudad mientras el trataba de solucionar el tema de los amplificadores y los equipos de sonido que utilizaríamos para la presentación que tendríamos en la noche en uno de los clubes, donde nos escucharía el representante de la disquera. Al Instante y sin dudarlo un minuto fui a la tienda de música, era hora de una guitarra nueva, una que estuviera al nivel de la de Jorge. Es en este momento que la vi colgada en la pared, una Gibson SG, en mi opinión mejor que la guitarra de Jorge. Al probarla fue definitivo, la compre. Al llegar donde todos estaban, con un estuche de guitarra todos se sorprendieron.

Esa misma noche salimos a conversar con Jimi, que se hospedaba en el mismo hotel que nosotros. Cuando Tony nos fue a avisar que trajéramos los instrumentos para tocar todos nos pusimos nerviosos, no habíamos preparado nada. Jimi nos dijo que nos dejáramos llevar, que tocáramos lo que siempre tocábamos en nuestras presentaciones en Perú. Antes de entrar al escenario Jimi me entrego una pequeña caja de metal de color celeste y forma circular, se podía leer: “Fuzz Face Effect”. Nunca había visto algo parecido. Según Jimi, era un pedal de efectos, su “arma secreta”. Me dijo que intentara tocar con eso.  Y eso fue lo que hice. Salimos al escenario y tocamos. Luego de presentarnos la gente estaba impresionada. No sabíamos si lo habíamos hecho bien o mal. Cuando al paso de solo unos segundos todo el mundo en el club comenzó a aplaudirnos. La disquera accedió a firmarnos luego de unas pequeñas negociaciones con Jorge, que por ser el mayor, actuaba como el “manager” de la banda. Al día siguiente todos los periódicos de Inglaterra hablaban de nosotros. Nos habían nombrado como “The Peru´s Top Secret Band”, y como no teníamos nombre, adaptamos ese.

Después de tan solo 5 días ya nos habíamos presentado en casi todos los clubes de la zona, y ya teníamos preparadas  4 canciones para un pequeño EP de 45 rpm, EP que saldría al mercado Ingles el próximo mes. Luego del éxito del EP en Inglaterra, y de haber pasado Navidad, año nuevo y haber vivido ya casi 7 meses ahí, alejados de nuestras familias, Tony, como productor de la banda, ya tenía en mente nuestra aparición en el mercado americano. Es aquí cuando Jimi nos consiguió un lugar en el festival estadounidense de Monterey en California. Inmediatamente lo conversamos con Tony y después de unas cuantas llamadas todo estaba resuelto, nos Iríamos a Estados Unidos.

Al llegar a USA ya para Junio del 67’, sin imaginárnoslo, fuimos recibidos en el aeropuerto por cientos de fans que habían escuchado nuestro EP. No lo podíamos creer. Ya teníamos fans en Estados Unidos. De alguna manera lo habíamos logrado.

Paseamos por la ciudad todo ese día, conociendo los clubes y las tiendas. Al día siguiente sería el concierto. Todos estábamos ansiosos y nerviosos, en especial yo y Jorge. Temprano en la mañana nos juntamos en un estudio que había alquilado Tony y practicamos toda la tarde. Al salir del estudio nos dirigimos al lugar del festival horas antes de que este comenzara. Jimi ya se encontraba allí. Lamentablemente nunca llegamos.

Basto que nos cruzáramos con un conductor ebrio, y probablemente drogado, y sucedió. El impacto fue demasiado fuerte. Por milagro a ninguno nos pasó nada grave, a excepción de Jorge quien recibió la mayor parte del golpe. Yo estaba demasiado nervioso, angustiado y preocupado, por un momento pensé que estaba muerto. Inmediatamente llego la policía y la ambulancia. Llevaron a Jorge inmediatamente al hospital. Por suerte solo se rompió un par de costillas y el brazo. La mayoría de nosotros solo teníamos moretones y ligeros cortes.

Al nunca llegar al festival, nos reemplazaron al instante. Perdimos comunicación con Jimi. Al haber pasado lo que paso tuvimos que regresar a Perú ya que Jorge tenía que estar con su familia quienes estaban muy preocupados por él.  Luego de que dieran de alta a Jorge nos despedimos de Tony, le agradecimos por todo y le dijimos que no podíamos continuar por lo sucedido. El entendió, nos habló de que lo había contactado un amigo para que produjera su nueva banda, Roundabout, que según Tony era un mal nombre. El contrato con la disquera se terminó. Regresamos a Lima. Parece mentira pero de alguna manera nos habíamos acostumbrado a la fama en Estados Unidos e Inglaterra, pero aquí éramos personas comunes y corrientes. Todo había acabado. O eso fue lo que creímos.

En el 70’ cuando regrese a Estados Unidos, luego de 2 meses de vivir en ese departamento en Seattle, recibí un paquete. Era nada menos que una guitarra, una Fender Stratocaster Blanca. La guitarra tenía una carta en el interior, era de Jimi.

“Miguel:

Me costó mucho llegar a encontrar tu dirección, sino hubiera sido porque regresaste a USA no te hubiera podido dar esto. Esta guitarra te la entrego como símbolo de lo importante que fueron ustedes como amigos para mí. Me hubiera gustado dártela en persona pero en este momento  me estoy yendo a un festival en la isla de Wight. He escuchado que una banda peruana será llevada al festival por el productor de los Rolling Stones, se llaman los Mads creo, quizás los conozcas.

Saludos.

Jimi Hendrix”

Estaba impactado Jimi me había recordado, y segundo los Mads tocarían en la isla de Wight. Wow. Creo que en verdad eran mejores que nosotros. Ese mismo año Jimi fallecería.

Nunca fuimos olvidados, como pensamos que lo habíamos sido. Hace menos de un año fuimos redescubiertos, y junto con nuestros pocos fieles fans alrededor de USA e Inglaterra nos animamos a regresar. Ahora, alrededor 40 años después de nuestro debut en Inglaterra estamos aquí a punto de salir al escenario, en nuestro nuevo debut, todos juntos, Jorge, Robert, John, Marcelo y Yo.

Ya nos están llamando para entrar a escena, estoy demasiado nervioso aunque sé que todo saldrá bien, con la guitarra y el “arma secreta” de Jimi Hendrix como no podría.

Por Eduardo Arana 3° SEC “B”
Colegio Isabel Flores de Oliva
24/05/2014

Todos los hechos y artistas que aparecen en la historia a excepción de los protagonistas son personas reales pero los papeles que desarrollan y su relación con los protagonistas es ficticia.

domingo, 19 de enero de 2014

Guitar Reviews: Fender Vaporizer

Hoy haré una review sobre el nuevo Fender Vaporizer de la linea Pawn Shop. Esta linea para los que no la conocen es una intención de Fender de crear amplificadores enfocados en épocas especificas y de un estilo fuera de lo común, lo que hace que sean piezas únicas y raras que solo podrían ser descubiertas en una tienda de empeño (Pawn Shop). Este amplificador en especial enfoca la época de la carrera espacial durante los 50's y 60's.

El amplificador (completamente a tubos) incluye dos entradas Normal y Bright, tres perillas de volumen, tono y reverb, y un footswitch que activa el circuito Vaporizer para un tono altamente distorsionado. El precio de lista es de 550 dolares por lo cual el precio en tienda bordea los 400 dolares, convirtiéndolo en un gran ampli a un precio accesible como son la mayoría de los amplificadores de la serie Pawn Shop.

Aquí les dejo el video promocional del Fender Vaporizer:


Las Guitarras Vintage: Parte 1

En este artículo les quisiera hablar de uno de los tipos de guitarras más importantes y más grandes que existen en el mercado, las guitarras "Vintage", guitarras con precios habitualmente inalcanzables, los cuales solo pueden ser pagados por coleccionistas o profesionales, aunque de todas maneras hay muchas al alcance de cualquier persona ya que el precio en una edición especifica (modelo, año y serie) puedo variar. Al hablar de una guitarra vintage no simplemente estamos hablando de una guitarra usada, nos referimos a una guitarra de un periodo de tiempo especifico, habitualmente a antes de los años 80 (pero no necesariamente). 

Muchas personas se preguntaran ¿que hace a una guitarra usada, vieja y tal ves maltratada tan especial, y algunas veces tan cara llegando a cifras mucho mayores a los que una guitarra nueva podría llegar?, pues la respuesta a esta pregunta tiene muchos puntos, como la marca fabricante, el modelo, el año, el número de guitarras en la serie, si un modelo parecido o igual del mismo año o época fue utilizado por algún guitarrista conocido, el tono y calidad que brinda la guitarra que en algunos casos es superior al de las actuales, etc. 

Ojo dados estos puntos entre otros hay que tener en cuenta que una guitarra u otro instrumento con solo el hecho de ser antiguo no significa que valdrá mucho dinero, ni mucho menos que tenga una gran calidad y tono. 

Puntos que hacen a una guitarra Vintage y coleccionable:

El año y la época de fabricación: este es uno de los puntos más importante ya que la palabra vintage es utilizada para cosas antiguas por lo cual la guitarra tiene que serlo. La mayoría denomina a las guitarras, vintage, hasta los 80's. Los grupos de años más buscados en guitarras eléctricas son los 50's y 60's, y en acústicas los años anteriores a los 30's.

La marca fabricante: Las más famosas y más buscadas suelen ser Gibson, Fender, Martin, Gretsch, Epiphone y Rickenbacker.

El modelo: Los modelos más buscados suelen ser los modelos clásicos de las marcas anteriormente mencionadas, de Gibson la Les Paul, SG, y las ES; de Fender la Stratocaster, Telecaster, Jaguar, Mustang; etc.

Personas que utilizaron la edición especifica (año y serie) de ese modelo: un factor muy importante para que un coleccionista o guitarrista quiera una guitarra vintage en especifico es el tono que le brinda, el cuál se asemeja al tono que un guitarrista uso en algún disco, ya que utilizo la misma edición del modelo, ejemplo: Jimmy Page y su Gibson Les Paul Standard del 59', la cual caracteriza su sonido en los álbumes de Led Zeppelin.

A continuación fotos de parte de las colecciones de guitarras Vintage de guitarristas y coleccionistas reconocidos:


Colección de George Harrison

Coleción de Ace Freheley
Colección de Eddie Van Halen


Colección de Slash
Colección de Eric Clapton
Coleción de Richard Gere

Colección de Pedro Suarez Vertiz (Perú)

lunes, 11 de noviembre de 2013

Ringo en Lima!!!



Esta noche, hoy 11 de noviembre, el famoso ex-baterista de The Beatles Ringo Starr se presentara por primera vez en el Parú en el Jockey Club junto a su All Star Band, la cual creo en los 90's. 


Es conocido por haber sido el baterista de  The Beatles desde 1962 (luego de la salida de Pete Best) hasta su separación siendo además vocalista en canciones como "With a little help from my friends", "Yellow Submarine", "Act Naturally", "Octopus Garden", "I wanna be your man" y "Honey don't".

miércoles, 28 de agosto de 2013

The Les Paul

La Les Paul es una de los modelos de guitarra eléctrica más famosos y populares de todos los tiempos, creado en 1952  por el guitarrista Les Paul junto al presidente de Gibson Ted McCarty. Entre los principales usuarios de este modelo de guitarra eléctrica se encuentran Jimmy Page, Slash, Eric Clapton, Jimi Hendrix, Marc Knofler, George Harrison, Joe Perry, Mick Taylor, Peter Framptom, Ace Frehley, Keith Richards, Carlos Santana, Duane Allman, Jeff Beck, Pete Townshend, Marc Bolan, Randy Rhoads, Zakk Wilde, Joe Bonamassa, el mismo Les Paul y muchos más artistas y personas alrededor del mundo incluyendome.

Ya para 1941 Les Paul había construido un extraño prototipo de guitarra eléctrica solida, conocido como The Log (a partir de partes de diferentes guitarras y de un piesa de madera de pino), con el fin de solucionar los problemas de acople habituales en las guitarras de cuerpo hueco provocados por su caja resonadora. En 1946 Les Paul le propuso a la marca Gibson crear un modelo de guitarra solida a partir de su prototipo, quienes rechazaron la propuesta. Al Fender introducir la Telecaster en 1950, convirtiendose en la primera guitarra de cuerpo solido con gran exito, Gibson se planteo responder a la competencia por lo que contactaron a Les Paul para crear un nuevo modelo.

1952-1960

El resultado de esta union fue la Les Paul Standard Goldtop, equipada con dos P90 Pickups de bobinado simple (single coil), con un acabado
dorado, este primer modelo de entre 1952-1953 incluía el puente en forma de trapezoide parecido al de las clasicas guitarras archtop. Entre 1953-1955 se cambio este puente por un puente "stopbar", y entre 1955-1957 se utilazaron unos nuevos puentes Tune-O-Matic. En 1957 se introdujeron los pickups Humbuckers PAF, esta edición solo se produjo por un año dandole paso después al nuevo modelo Standard.


Después de la Les Paul Standard Goldtop se introdujo en 1958 la Les Paul Standard Sunburst con los nuevos píckups Humbacker PAF y el nuevo acabado sunburst, reemplazando el antiguo acabado goldtop. Esta primera producción de Les Paul Standards se produjeron entre 1958- 1960, y son concideras como las Les Paul más finas por lo cual son muy buscadas por coleccionistas.


En paralelo entre 1954-1960 se producieron la Les Paul Custom. Este modelo se introdujo en 1954 equigpada con un Alnico pickup y un P90, acabada en un color negro, el cual la hizo ser conocida popularmente como la "Black Beauty". Desde 1957 se comenzaron a producir las Les Paul Custom con los Humbuckers PAF, y posteriormente ese mismo año se introdujo la clásica Les Paul Custom con 3 Pickups.

El mismo 1954 se introdujo el modelo Les Paul Junior, enfocado a los principiantes, con un acabado más simple, un solo Pickup P90 y un puente Stopbar. El año siguiente (1955) se introdujo la Les Paul Special, muy parecida al modelo Junior pero con dos Pickups P90. En 1959 se introdujeron estos mismo modelos  con "double cutaway", diferenciandose del clasico modelo de cuerpo de la Les Paul con "single cutaway".

1961-1967

En respuesta al modelo "double cutaway" de Fender, la Stratocaster, Gibson modifico el cuerpo y aparencia de la Les Paul, con un cuerpo mucho mas delgado, "double cutaway", con un sistema de Vibrato y un acabado rojo. Actualmente este modelo es conocido como la SG, pero en una primera instancia se le continuo llamando Les Paul. Este rediseño se realizo sin el conocimiento de Les Paul, por lo cual le pidio a Gibson que removiera su nombre de este modelo. Es por esto que entre 1961-1963 las SG llevaron como nombre Les Paul.

Desde 1963 se retiro el modelo "Les Paul" oficialmente y se dejo de producir hasta 1968 reemplazado por el modelo SG (por "solid guitar", guitarra solida).

1968-1985

Dada la demanda por las Les Paul generada por guitarristas de los 60's, en 1968 GIbson re-introdujo la Les Paul "single cutaway" (Standard y Custom). A si mismo se introdujeron nuevos modelos Les Paul, como el Deluxe, equipado con los nuevos pickups Mini-Humbuckers. Este modelo también se produjo con los humbuckers tradicionales de tamaño completo. En 1978 se introdujo la Deluxe Pro con P90 Pickups. Este modelo se produjo hasta 1985.

En 1983 aparecio el modelo Studio, dirigido en un comienzo a músicos de estudio. Este modelo cuenta con todos los ingredientes que definen el sonido de la Les Paul pero sin siertos detalles de la Les Paul Standard.

En esta época Gibson produjo otros modelos Les Paul como es el caso de la Les Paul Recording, no muy popular entre los guitarristas pero segun el mismo Les Paul, su modelo favorito. Otros modelos de Gibson con el tipo de cuerpo Les Paul son la Marauder, la Sonex y la L6-S.

Actualidad

Actualmente existen varios modelos de Les Paul y SG, fabricados por Epiphone, Gibson USA y Gibson Custom Shop. Entre los principales modelos de este año se encuentran la Les Paul Standard, Traditional, Studio, Junior, Special y la Serie Tribute, serie que rinde tributo a las Les Paul y SG de los 50's, 60's y 70's. Estos modelos son parte de lo que Gibson llama el "año de Les Paul", el cual lo celebra con una gran variedad de modelos Les Paul y SG en tributo al gran Les Paul.


Les Paul


Nacido en 1915, en Wisconsin, Estados Unidos, Lester William Polsfuss fue un guitarrista de Jazz estadounidense e inventor, entre las cuales su mayor aportación es el desarrollo de guitarra solidas con la creación de la Gibson Les Paul. Comenzo a tocar la guitarra a la edad de 13 años. Fallecio en Nueva York en el 2009 a sus 94 años.

sábado, 15 de junio de 2013

Pete Best en Lima


Hoy 15 de Junio, el primer baterista de los Beatles, Pete Best, se presentara en el anfiteatro del parque de la exposición junto a la banda tributo Un día en la vida. Pete Best estuvo en la banda desde 1959 hasta 1962, año en que Brian Epstein (manager de The Beatles) lo despidio de la banda y lo reemplazo con Richard Starkey, más conocido como Ringo Starr. El participo en la gira de Hamburgo realizada por la banda entre 1960 y 1961. Las entradas estan desde S/.53 a S/.159, y aun se encuentran a la venta en los puestos de Teleticket.

martes, 4 de junio de 2013

Guitar Reviews: Gibson ES 335 Studio


Hoy les hablare de la nueva ES 335 Studio de la subdivisión de Gibson, Gibson Memphis, la cual acaba de ser agregada al catalogo de Gibson. A diferencia de las demás, esta ES 335 es exclusiva para el rock! Incluye un solo pickup "Dirty Fingers" y un cuerpo de arce sin agujeros F, sin dejar de ser semi hueca. Esta guitarra es ideal para los amantes del rock, ya que promete versatilidad y un sonido cargado de distorsión. Esta guitarra esta disponible en los colores Midnight Blue y Ebony Black. La ES 335 fue introducida en 1958 y ha sido utilizada por músicos de jazz, blues y rock, como B.B. King, Eric Clapton, Alvin Lee, George Harrison, Chuck Berry, entre otros.

miércoles, 29 de mayo de 2013

Van Halen


Van Halen es una de las más famosas bandas de rock de los 80´s. Fundada en 1972 por los hermanos Van Halen como Mammoth. En 1974 se les une David Lee Roth como cantante y poco después Michael Anthony como bajista, en este año cambiarían su nombre a Van Halen. Poco a poco la banda se hizo conocida en los clubes de Los Angeles. En 1976, Gene Simmons (Kiss) asiste a un show de Van Halen. Esto hace que  financie y grabe un demo con ellos. Pero no logra convencer a su discográfica de que los firmara. Posteriormente un ejecutivo de Warner Brothers, los escucharía y los haría firmar con ellos. En 1978 la banda lanzaría su primer álbum "Van Halen", presentando la canción "Eruption", la cual se hizo famosa por el solo que Eddie realizaba, el cual incluía una técnica poco usada anteriormente llamada tapping, esta técnica le daría gran prestigio como guitarrista.


En 1979 lanzan su segundo disco "Van Halen II" con el sencillo "Dance the night away". En 1980 la banda saca su tercer álbum "Women and children first". El año siguiente se lanzo "Fair Warning", y posteriormente en 1982, Diver Down, un álbum de covers, que incluye la canción "(Oh) Pretty Woman" de Roy Orbison. El sexto álbum de la banda fue "1984", siendo uno de los álbumes más populares de la banda y el último con David Lee Roth como vocalista, incluyendo los éxitos "Panama", "Jump" y "Hot for Teacher". Oficialmente David Lee Roth abandona el grupo en abril de 1985. Ese mismo año Eddie encontraría a Sammy Hagar.

En 1986 se lanzo el álbum "5150", primer álbum con Sammy Hagar como vocalista. Posteriormente en 1996, Sammy Hagar dejaría la banda. En 1998 se graba el álbum "Van Halen III", con Gary Cherone como vocalista. En 2004 tuvieron una corta runion con Sammy Hagar, la cual terminaría ese mismo año. En 2007 Van Halen anuncia una nueva gira con David Lee Roth como vocalista y Wolfgang Van Halen (hijo de Eddie) como bajista, iniciando la era actual de la banda. En 2009 se lanza el videojuego "Guitar Hero Van Halen". En febrero del 2012 la banda lanza su álbum "A Diferent Kind of Truth", el cual es el primer álbum de estudio de la banda luego de 14 años.

En todos los años que Eddie Van Halen a estado en la banda a tocado su clásica Frankenstein, guitarra que el mismo fabricó. Actualmente Fender le fabrica su amplificador EVH 5150 III y su marca EVH fabrica su guitarra Wolfgang. Tambien la marca de pedales Dunlop ofrece pedales signature EVH, como el Cry Baby
, Phase 90 y Flanger.




sábado, 18 de mayo de 2013

Fender Coronado

Las Fender Coronado fueron un grupo de modelos que lanzo Fender entre 1966 y 1972 rompiendo el esquema clásico de sus modelos. Estos fueron los únicos modelos con cuerpo semi-hueco que Fender fabricó.

El primer modelo lanzado fue la Coronado I, equipada con un solo pickup (micrófono). El segundo modelo y más famoso fue el Coronado II, equipado con dos pickups. Algunas variaciones de este último fueron la Coronado Wildwood, con acabados especiales, y la Coronado XII de 12 cuerdas. También se lanzaron al mercado modelos de bajo, como el Coronado Bass I, con un pickup, y el Coronado Bass II, con dos pickups. Todos los modelos Cooronado utilizaban pickups single coil DeArmond. Los modelos de guitarra Coronado I y II venían con un puente clásico o con un tremolo.

Algunos de los usuarios de esta guitarra son Elvis Presley, Dave Davies (The Kinks), Jimmie Vaughan y Josh Klinghoffe (Red Hot Chilli Peppers).

martes, 14 de mayo de 2013

La "SG" de doble mástil

La EDS 1275 es una guitarra con un mástil de 6 cuerdas y el otro de 12. Famosa en la historia del rock por haber sido usada por guitarristas como Jimmy Page (Led Zeppelin), Slash (Guns n roses), Don Felder (Eagles) y Pete Townsend (The Who).

Entre 1958 y 1962, se fabricaba como una versión de doble mástil de la ES 175 con un cuerpo semi hueco. Años más tarde, tomaría la apariencia de una SG de doble mástil, siendo esta la versión más popular.

Actualmente los únicos modelos Gibson disponibles de esta guitarra son la signature de Don Felder y una versión Custom en Alphine White. Epiphone también la fabrica, bajo el nombre de G-1275.